飞鸟重视与诺维奇关键一战(时光都被打包进了这

每年的5月18日是国际博物馆日。2020年国际博物馆日的主题是「致力于平等的博物馆多元与包容」。国际博物馆协会官方对此主题做出的阐释是「鼓励社区和博物馆从业者拥有多样化的观点，鼓励博物馆利用展览和讲故事的方式克服偏见。」

新冠肺炎疫情在全球爆发以来，全世界一度有92%的博物馆处于关闭状态，甚至有一些博物馆面临裁员、盗窃和永久关停。在这样的大背景下，今年博物馆日的主题显得更加意味深远。博物馆是人类历史的承载体，当人们参观博物馆时，总会对时间和空间有更加深层的理解放在更宽广的维度上，我们目前所经历的一切并不新鲜，也终将过去。而博物馆带给我们的共情，也恰恰是对抗恐惧、偏见和嫌隙的力量之一。在第44个国际博物馆日之际，《人物》携手雷克萨斯，共同探寻那些被博物馆典藏的时光印记。

文｜瞿麦

编辑｜糖槭

图｜网络

坎昆水下雕塑博物馆

海底一片静默。

2005年，英国艺术家Jason deCaires Taylor在加勒比格林纳达海峡的海面下安置了他的第一件雕塑作品《The Lost Correspondent》——一个坐在桌前打字的男子。在海水的侵蚀作用下，整座雕塑混杂着青色、红铜色的斑驳，如同自远古而来。

这件作品为海洋而生。Taylor是一名雕塑家，他还是水下自然学家、有着多年经验的潜水教练。在创作之初，他就采纳了一名当地海洋生物学家的建议——出于环保的考虑，雕塑最好不要用传统花岗岩作为主要材料。Taylor决定用酸碱中性的坚固水泥打造雕塑，以便于珊瑚虫在其间生长。

很快，一尊雕像变成了两尊，然后变成了26尊。现在在坎昆的海面之下，一共有超过500尊看起来「生机勃勃」的雕塑。这里也成为了全世界唯一需要潜水游览的博物馆。这并不是一件容易的事。艺术家曾在一场TED演讲上开玩笑，「当你立在海里，头顶上是100英尺高的起重机，还要试着将8吨重的东西放到海底时，你可能会想，当初为什么没去学水彩画呢？」

现在的坎昆水下雕塑博物馆中最为标志性的作品，是由26座人形雕塑围成的环状雕塑群。当游客们潜水到达海底，与这些真人大小的雕塑并肩时，能看见珊瑚遍布在雕塑的各个角落，也能目睹热带鱼类从自己的肩头游过。

雕塑们还在不断发生变化，而现在对它们进行改造的，是海洋。雕塑的身上布满了海藻、甲壳动物、珊瑚，有的时候，海星就紧紧贴着一张石刻面孔。而这一切令人震撼的景象，都不是Taylor在最初将雕塑置入海底时所能预想到的。

「随着时间流逝，我才意识到这件事的伟大之处，它充满了谦卑的情怀，从我们将雕像沉入水中的那一刻起，它们就不再属于我们，因为从下沉的那一刻开始，这些雕像，就归属了海洋。」Taylor说，「随着新的珊瑚礁形成，一个新的世界开始进化，那是一个不断带来惊喜的世界。也许这话有点陈词滥调，但人造之物，终究比不上大自然的鬼斧神工。」

坎昆水下雕塑博物馆

休斯顿自然科学博物馆

在这间展厅里，光线昏暗，唯有矿石的色彩在其中熠熠生辉。这里是著名的休斯顿自然科学博物馆的矿石与珠宝展厅，展示着750种宝石和矿物标本。矿石展馆只收藏美丽而稀有的天然矿石，例如重达850磅（约385公斤）的巨型紫水晶。每一块矿石都被单独陈列在棕红色的木质展柜中，在灯光的烘托下闪耀光芒。没有经过人工雕饰，但这里的每一颗矿石，都被称为是「自然界的伦勃朗和毕加索」。

休斯顿自然科学博物馆

在矿石展馆的另一边，是宝石展馆。珠宝设计师们用匠心和双手对天然矿石进行二次加工，得到更加夺目、也更具价值的珠宝。目前，该博物馆刚刚结束长达2个多月的闭馆，重新开放了公众的预约和参观。

矿石的缤纷色彩和独特质地，也给其他行业的设计师带来独特的灵感。雷克萨斯全新纯电动UX 300e的车身颜色设计中，有两款的设计灵感就来自于天然矿石以玛瑙的矿物花纹为灵感基调的烈焰玛瑙色，和加入了云母颗粒的黛青云母色。为了将色彩设计师研发的专属颜色还原于车身漆面上，雷克萨斯的工程师们运用新开发的多层喷涂工艺，令色彩设计师的灵感最终成为附着于车身的自然之光。

全新雷克萨斯纯电动UX 300e

伦敦自然历史博物馆

世界上最著名的梁龙骨架，已经退休三年了。

在2017年之前，位于博物馆主厅穹顶之下的巨型梁龙骨架，是伦敦自然历史博物馆最受瞩目的展品，也是《博物馆奇妙夜》最有名的取景地。人们亲切地称呼这个大恐龙为Dippy，近百年，世界各地的人们慕名而来——毫无疑问，这是最符合该博物馆名称的一件展品，也满足了人们对于博物馆的基本想象。

从1905年5月12日，人们为Dippy举办了盛大揭幕仪式的那天起，它就成了明星一般的存在。最初，Dippy得以漂洋过海从美国来到英国，正是由于爱德华七世国王认为博物馆里需要这样一头典型的恐龙。此后，它开始频繁出现在电视、报纸和期刊杂志上，被当时的媒体报道为「有史以来最伟大的动物」，甚至启发了迪士尼以Dippy为原型，创作了电影《我们的恐龙不见了》。

事实上，声名远播的Dippy并非化石，而是由石膏浇筑倒模而成的复制品，今天的人们早就已经接纳了这一真相。但在更早期的年代里，游客们满怀着对于这种远古生物的崇敬（以及某种恶趣味的猎奇），时常有人将Dippy的骨节取下，悄悄带回家留作纪念。这让博物馆不得不将包含70多节骨头的恐龙尾巴，拆开放在盒子里保存。

到了1993年，博物馆决定用新型材料为Dippy打造一根更轻便的新尾巴——可以悬在空中，而不是拖在地面上，这是因为科学家们研究发现，历史上的梁龙在行走时，尾巴其实是悬空的。在等待安装新尾巴的那段日子里，工作人员给Dippy安了一条纸质的尾巴作为替代。

2015年初，伦敦自然历史博物馆对外宣布，这副几乎占据了整座博物馆大厅的梁龙骨架即将退休，取代它的将是蓝鲸Hope。场馆官方宣布的替代理由是，Dippy只是石膏模型，无法代表该馆展藏珍品的精神，，他们决定用真正的蓝鲸骨架作为替换。

这则消息曾经在网上引发了一场「保卫Dippy」的运动，但却未能阻止Dippy的退休和蓝鲸Hope的上岗。工作人员花了3周时间拆除Dippy的292根骨头——它们由灰泥和树脂制成。此后，它被分装在13个定制板条箱里，然后被送去了加拿大，开始了为期三周的修复工作——主要是为了安装新的前爪，在此之前，人们误以为是前爪的部位，其实是Dippy的后脚。

从2018年2月起，Dippy开始了它的退休旅行——到英国各地的博物馆进行巡回展出。一个麻烦在于，每到一处，人们都得花上好几天进行组装。在展览的第一站多塞特郡博物馆，工作人员花了整整8天才把它拼好。

按照原本的旅行计划，Dippy的一站将在诺维奇大教堂，但新冠病毒的全国流行打乱了它的节奏，诺维奇大教堂暂停对外开放。游客们预购的门票被依次退款，Dippy的旅行也不得不暂停——在营业了一个多世纪后，这可能是Dippy难得的一次休假了。

伦敦自然历史博物馆

日本民艺馆

在日本学术界，柳宗悦赫赫有名。他被称为「日本民艺之父」，既是民艺馆的首任馆长，也是「民艺运动」的发起人。不过对于普通人来说，也许人们更熟悉的是一个相似的名字，柳宗理——柳宗悦的儿子，也是同名网红铸铁锅的发明者和设计师。

1916年，柳宗悦开始在日本各地寻访传统手工艺。这趟旅行始于一尊木头佛像。江户时代，一位法号叫木喰的云游和尚发愿走遍日本的灵山圣地，途中以雕刻佛像打发时间，并将佛像留在当地。一篇名为《柳宗悦与柳宗理的民艺与设计》的文章曾经这样描绘木像「都有着同样的浓眉毛和纯稚微笑，那是一种劳作后的农人踏进家门，用衣角擦着额上的汗，面对贤淑的妻子和满地乱爬的小孩子，脸上会出现的笑。」

木喰和尚在历史上并不出名，长久以来，他雕刻的木头佛像也被当成拙劣的半成品，散落各地，不受重视。直到有一天，柳宗悦见到这尊木佛，立刻被这种拙朴原始的雕刻手法打动了，从此决定搜集日本各地的民间工艺品。

「我是想寻找正确而美丽的东西，这样的东西在哪里？有多少？被做成什么样子呢？」

20年后，柳宗悦亲自搜集的超过1.7万件展品，成为了民艺馆的第一批展品。他创造了「民艺」一词，以用来定义由「民众工艺」创作出来的此类物品。最初，他将民艺译为「folk art」，后来由于厌恶「art」的语感而自造了英文词「folk-craft」。这可能是因为他坚信审美价值和实用价值缺一不可。

最开始，柳宗悦搜罗来的各类物品堆积在自己家中，直到放不下了，才挪去专门的展馆。那时柳宗理快20岁了，他遗传了父亲的审美直觉，但正处在年少叛逆的时期，无法理解父亲的世界，而是沉浸于毕加索和保罗·克利的现代主义风格。父子两人看似歧路，但其实一脉相承。在柳宗悦逝世十五年之后，他的儿子柳宗理，一个曾经被柳宗悦嗤之以鼻的现代派艺术实践者和现代设计师，成为了民艺馆的第三任馆长。柳宗理说，他的父亲大概也想不到会有这么一天。

民艺馆位于东京近郊，这里保留了大阪世博会的一部分参展设施，而世博会当时的停车场被改造为运动及休闲设施。目前，由于疫情，民艺馆正处于闭馆状态。

日本民艺馆

2014年，雷克萨斯开始与旭硝子（Asahi Glass Company)玻璃公司合作，探索在汽车内饰中运用「切子」玻璃作为装饰。这种融合了审美与实用的设计理念，与柳宗悦创办民艺馆的初衷，不谋而合——手工艺品绝不应该只流落民间，其美学意义也值得被重视；而那些博物馆内的藏品，也将在新的载体上重获生机。

「切子」是一种使用金刚砂在玻璃表面进行精巧切割雕刻的传统工艺，雷克萨斯将这一源自江户时代、迄今已有百余年历史的匠艺，运用到旗舰车型LS的设计中，创造出了极富艺术气息的「凌光切子」内室饰板。相比于真皮和实木，玻璃是一种更为平凡的材质，但经过复杂的手工雕琢，让「凌光切子」拥有了如同水晶般璀璨的光芒，呈现凝聚时光之美。

除此之外，雷克萨斯从传统折纸艺术中汲取灵感，创造的具有独特立体纹理的「鹤羽折布」，以及运用传统薄木切片工艺创造的天然艺木纹理饰板，同样也将美观与实用结合得恰到好处。

雷克萨斯LS凌光切子衬鹤羽折布内室饰板

小津和纸博物馆

柳宗悦曾在他的作品《和纸之美》中，论述过纸的地位「有人曾说日本『纸』与『神』的读音相同，表示两者同义，即使这是穿凿附会之说，但绝非天马行空之妄想。洁净的纸本来就是神明心灵的具现。纸赋予人们洁净之训，润泽之德。」

按照柳宗悦的理解，怀着敬惜字纸的心意生产出的和纸，即使只是白纸一张，也充满了美感。它已成为了真正的艺术品，而不再是一种随处可见的材料。「手抄和纸总是充满魅力，凝望着、轻抚着，我感到一股难以言喻的满足。越美丽的和纸，越是不敢草率使用，如非美字美画，只是玷污了纸。洁白的纸本身就是一件艺术品。」

小津和纸博物馆

小津和纸博物馆位于东京飞鸟山公园里，展示了各类和纸，以及以和纸进行创作的书法和美术作品。在展馆的3楼，游客可以体验「手漉和纸技术」，感受源自江户时代的匠人精髓。

和纸的作用不仅是用于书写和绘画，还可以上漆制成器皿，或是涂上苏子油，制成油纸伞或者雨披，以及折叠后制成灯笼、灯罩、屏风和团扇。和纸天然生成的如云纹般细腻的纹理，也常常启发着设计师们的创作灵感。雷克萨斯全新纯电动UX 300e就采用了充满温暖触觉和视觉质感的和纸纹理饰面，营造出温馨宁静的内室格调。

柳宗悦曾说，「持有者与所有物密不可分，人们永远都应该挑选好东西。」当使用者与物品足够契合，人们将得到难以言喻的满足感——即使小到纸张的选择，也是如此。

和纸纹理饰板

京都大德寺

大德寺是京都两大枯山水庭院的代表寺庙之一（另一处是龙安寺）。在游人如织的京都，这可能是为数不多的僻静所在。大德寺有众多分院，收藏着多件日本国宝，以及茶室、庭院、障壁画等许多史迹和文物，堪称是一座大型艺术博物馆。其中，瑞峰院中的枯山水景观「独坐庭」最为人称道。相传，这处枯山水景观是依照蓬莱山的传说来建造的。东侧的白沙象征海浪，中间是石头和苔藓组成的半岛，西侧是石板桥和桥下象征流水的白沙。

「独坐庭」的设计师是重森三玲，一位「自学成才的大师」。在他原本的人生轨迹里，并不包含成为园艺设计师这一项。他本来立志成为一名画家，直到21岁那年，他从冈山搬到东京，准备全力发展绘画事业时，发现这里聚集了全国各地的美术人才，自己在美术上的才华，将会被碾压到毫无出头之日。

沮丧之余，他开始对全日本各地的庭院和花园进行探访。这其实是源于他从小对茶道和花道的爱好，而他在就学期间阅读的哲学、佛学和世界美术史，也为此助力不少。在调研了全日本350座庭院之后，43岁那年，也即1939年，重森三玲完成了巨著《日本庭院图鉴》。这本书如今依然有售，重达70斤。

京都大德寺

除了枯山水之外，大德寺聚光院还藏有障壁画《花鸟图》，由日本历史上著名的屏风画师狩野永德创作，被认定为日本国宝。

全新雷克萨斯LM的银水墨饰板，灵感正是源自于此，以尽可能少的色彩表达出更多意境。为了将这种东方美学中的山水写意引入座舱，设计团队也颇费心思，他们尝试以松杉木纹为基础，并运用「浮造」、「烧板」、「春庆涂」等传统木工技艺，让木纹有如数百年前水墨画的笔触一般，翩然写意，尽显东方艺韵。

银水墨饰板图源摄影师丛军

纯真博物馆

在完成了几部成名的作品、并获得了诺贝尔文学奖之后，2011年，土耳其作家帕慕克发现自己写不动了。他花了5个月的时间，在自己家阳台上拍了8500多张照片，并为这些照片举办了一次展览。

这不是帕慕克第一次给自己的作品盖博物馆。位于伊斯坦布尔的纯真博物馆，正是这位作家同名作品的可视化。帕慕克本人对这部小说非常满意，称之为「我最柔情的小说，是对众生显示出最大耐心与敬意的一部」。

参观者们不必购买门票。全世界所有版本的《纯真博物馆》中都印有一张「门票」，就是第548页中的一个空白小框，那是仅够盖一枚蝴蝶章的地方。

在小说和博物馆开始处，都有这样的一句话「那是我生命中最快乐的时刻，那时的我并不知道」。在小说里，男主角凯末尔对女主角芙颂感情炽热到不讲理的地步，「在将近3000个日子里，仅仅是为了看看这个已婚的女孩，凯末尔造访芙颂的家1593次。他悄悄地收集关于她的一切香水瓶、胸针、耳坠、发卡……还有4213个烟头。」而当这一切被具象化成一件件展品（例如钉着4213个烟头的墙壁），遥远的故事变成了眼前触手可及的真实物品时，读者和参观者在那个瞬间，都愿意相信这个故事曾经真实发生过。

写小说和建造博物馆并不是帕慕克的第一次「出逃」。从小开始，这位天生忧郁的作家就会在感到不开心的时候，努力想象世界上还有另一个自己，住在另一栋房子里，过着无比幸福快乐的生活。然后他会让自己相信其实自己就是那个幸福的人，从而忘掉种种不快乐。

帕慕克出生于伊斯坦布尔的富人家庭，他的「不快乐」主要是来源于大家族中的种种争斗父亲与母亲的争吵，自己和哥哥的竞争。2006年，在诺贝尔文学奖的获奖演讲中，帕慕克说明了他写作的理由「生每个人的气。」所以，他要在小说中打造在他看来更加迷人的世界。

疫情期间，帕慕克正处于小说《瘟疫之夜》的写作阶段。对于作家来说，这是一次沉浸式的写作体验。「如果我们希望看到瘟疫过后一个更好的世界，就必须拥抱和滋养当下的遭遇为我们带来的谦卑与团结。」

纯真博物馆

失恋博物馆

克罗地亚的萨格勒布博物馆，是世界上第一家失恋博物馆，拥有1000多件来自世界各地失恋者捐赠的展品。创办人格鲁比希奇说，从这些来自世界各地的展品中，「可以看出尽管存在文化、习俗和宗教等方面的差异，但人们珍视爱情、追求幸福的心是相通的。」尽管展品是情侣们分手后的遗存，但却留下了彼此生命的印迹，，「我们也可以称它为爱情博物馆，只是表达的方式不同而已」。

相比心碎的过往，一些展品捐赠者的自嘲和戏谑，常常会给游客们留下更深的印象。

一只义肢，来自一名受伤的士兵。「1992年，在萨格勒布医院，我遇到一位年轻漂亮的义工，坠入爱河，，义肢比我们的爱情要结实多了，毕竟是更坚韧的材料做成的。」

一条未开封的糖果丁字裤，来自瑞士的一位年轻女士。「收到的时候，我笑了，但没把它从盒子里拿出来过。他从未给我买过花，因为他觉得只有无聊的人们才送花。我收到的东西包括香肠和新的自行车配件，但我并不介意，因为我爱他。四年后，事实证明，他和他送的礼物一样，廉价且低劣。」

一只小手提箱，来自塞尔维亚的一位单身男子。「两年半的时光都被打包进了这个小小的手提箱……我早就知道，这个小箱子装得下。」

一缕头发，来自马其顿的一颗秃脑袋。「虽然这段感情只维持了很短的时间，但我在精神上却承受了很大的痛苦，甚至某一个瞬间，我完全疯了，我剪掉了自己所有的头发。后来很长一段时间，没有头发，也没有人来爱我……我很开心。」

失恋博物馆

时光邮局——「写给未来的信」线上博物馆

这是一个长期免费开放的可以给未来寄信的网站，只需要填写电子邮箱，设置好发信时间，就能够给未来的自己或他人写一封信。

如果你在写信过程中勾选了公开的选项，那么就意味着这封信将被公开展示。这些公开信组成了页面上总计3000多页的线上邮件博物馆，留下了无数人与人之间的故事。

有人写给前任恋人，「早晚有一天咱们都会被爸妈啰嗦，等到那时候还在单身的话，就来找我吧。」也有人写给暗恋的对象，「我觉得你一点都不符合我选男朋友的标准，可是莫名的还是对你有一点心动，真搞不懂这是为什么。」

有人写给已逝的亲人，「到那个时候，我们就可以重新相见了。」也有人写给尚未降临的孩子，「希望到时候的你比现在的我要快乐。」

在这间线上博物馆里，更多的人，写信给未来的自己。

根据该网站的公开信统计，疫情期间，前来写信的人更多了。多数人写给了未来的自己，一些人会询问疫情何时能结束，还有一些人会问未来的自己，是否在这期间得到了锻炼和提升。

「我不知道我该做什么，感觉就是过一天算一天，如果那时候的你依旧一事无成，那就真的太失败了。」

「我总以为，自己有足够多的时间去完成想要做的事。写完一本小说，学会一门乐器，掌握一门外语……直到我听完医生的诊断结果，原来我离盲人已经这么近了。不知道还剩多少时间，如果可以的话请这一天可以尽量晚些到来，起码让我做完一件事。」

……

一位写信者只写下了这样一句话「也不清楚这封信你是否能看见，因为各种可能各种情况都会发生。是呢，人生是多么的不确定呀。」——也许这封信永远不会被既定的收件人收到，也许有一天，信件的主人早就忘了自己曾经还写过这样的信。但在这样一间博物馆里，一封信至少会被一个人看见，让一个人记住。这可能是这间博物馆最柔情的所在了。

时光邮局

博尔盖塞美术馆

博尔盖塞美术馆以收藏大量的贝尼尼雕塑而闻名。

生活在17世纪的贝尼尼在中文世界的知名度不如米开朗基罗，这很可能是因为通识教育中只介绍文艺复兴，而对在此之后的巴洛克时代鲜有提及。直到今天，贝尼尼仍被后世的评论家们定义为「巴洛克时代的米开朗基罗」、「雕塑界的莎士比亚」，而当人们提到贝尼尼所创作的《大卫》时，还会特意强调一句「不是佛罗伦萨的那个」。

贝尼尼本人或许并不介意和那位太过耀眼的前辈作比较，他甚至自诩自己的作品是「将米开朗基罗的造型风格和提香的绘画风格结合为本体」。事实上，与米开朗基罗苦难的一生比起来，贝尼尼活得入世多了，也顺利多了。他从小跟着做雕刻师的父亲学艺，才华早早外露。25岁就进入了罗马教廷，受教皇的欣赏与恩宠，也被当时的人们夸赞，「贝尼尼为罗马而建筑，罗马为贝尼尼而扬名。」

唯一的一次失败经历，是在他67岁那年，受路易十四的邀请，前去设计卢浮宫。最终，他的设计方案没有被采纳，他而伤感地说，「在巴黎，我有一个大敌，很大的敌人，这就是在那里形成的对我的曲解。」以后世的眼光看来，所谓的「曲解」仅仅是路易十四对于巴洛克风格的不欣赏而已。

在雕塑家之外，贝尼尼的身份还有画家、剧作家和建筑家。有记载写道「上演一出大戏，其中布景是他画的，雕像是他刻的，机械是他发明的，音乐是他谱曲的，剧本是他写的，甚至连剧院也是他建造的。」

那是天才们身兼多职的年代。有评论家这样评价「经古希腊、古罗马直至米开朗基罗，在人们一直以为笼罩在西方雕塑史上的意大利光环即将达到顶峰时，贝尼尼又将这顶峰加以持续和巩固，直到今天后人仍无法超越。这使他在当时、在今天都是雕塑史上的异数。」

贝尼尼对于雕塑史的改变，也是米开朗基罗时代所无法想象的。他被认定为是「第一个用雕塑来展现柔软形态的人」，把动态凝固在了雕塑中，让坚硬的大理石看起来具有流动的质感，也将人世的情欲糅进了神话题材里。

博尔盖塞美术馆

《被掳掠的普洛塞庇娜》正是这种动与静、坚硬与柔软、神性与人性完美融合的代表作品。普洛塞庇娜脱胎于希腊神话中的珀耳塞福涅（冥后）。相传，某天珀耳塞福涅正和其他仙女一起采花，冥王哈德斯被她的美貌吸引，从地缝中升出，将她夺走娶为妻子。贝尼尼的雕塑作品，凝固了「抢来」的这一瞬间，也用大理石表现出了惊人的动态效果凝脂一般的皮肤质地，飞舞的头发，女孩的眼泪，以及普洛塞庇娜被冥王环住的腰部，被贝尼尼之子、传记作家多梅尼科评价为「温柔与残酷的惊人对比」。

正如雕塑家为坚硬的石材赋予生命力一样，雷克萨斯也将柔美与硬朗兼融的独特审美融入旗下中大型豪华轿车ES的车身设计中外观设计呈现渐进式的车身折线，锋利线条轻轻划过车身表面，然后渐渐消失，融入柔和形面。利用折线与曲面，ES刻画出近乎于完美的光影表达，明暗之间，勾勒出凹凸有致的立体雕塑感，也赋予这台金属打造的汽车更鲜活的生命力，使之一样可以传递温度与情感。

雷克萨斯ES

浙江省博物馆和台北故宫博物院

《富春山居图》是元代画家黄公望晚年创作的纸本水墨画，中国十大传世名画之一。黄公望为师弟郑樗（字「无用」）所绘，几经易手，并因「焚画殉葬」而身首两段。前半卷《剩山图》，现收藏于浙江省博物馆，后半卷《无用师卷》，现藏于台北故宫博物院。

被列为「元季四大家」之一的黄公望，在四人中最年长，经历也最为离奇。年少成为孤儿，然后被一位90岁而没有后嗣的黄姓老人收养。根据记载，他天资聪颖，可被称为神童，「天下之事，无所不知，下至薄技小艺，无所不能，长词短曲，落笔即成。」由于才华过人，被提拔到京城的尚书省，在监察御史院担任书吏，又因为与权贵不合，获罪多年。

中年的时候，他靠卖卜测字为生，据说直到晚年才开始学画。《富春山居图》的创作，始于至正七年（1347年），据说历时七年，也就是黄公望去世前才完成。

浙江省博物馆图源浙江省博物馆官网

2011年，两岸的《富春山居图》在中国台北合璧展出，这也是两岸所藏的《富春山居图》分开360余年后合璧。

东方人所钟爱的「余韵」、「留白」、「遐想感」，在《富春山居图》中有着淋漓尽致的展现，这种美学风格也正越来越多地体现在雷克萨斯的设计中。仅观察雷克萨斯车型的设计图，就可以看出与欧洲车的不同，雷克萨斯的设计师大量采用「连贯」、「省略」等技巧，常常两股线条脉络交叠浮现，这种感觉上的差别就像是英式花园和苏州园林的不同。而走进全新雷克萨斯LM的内室，不禁赞叹于那既开阔又包容的空间布局，适当的留白搭配动态流转的银水墨饰板，俨然营造了一个意蕴悠远的山水世界。

全新雷克萨斯LM图源摄影师丛军

大英博物馆

这是世界四大博物馆之一，拥有超过800万件展品，由于空间限制，公开展出的展品仅是其中的1%。

在大英博物馆的东方艺术文物馆，收藏有来自中国、日本、印度以及其他东南亚国家的文物十多万件。其中，中国陈列室占据了好几个大厅，总数多达2.3万件，其中就包含了《女史箴图》在内的诸多著名藏品。大英博物馆官方称，古代中国藏品与古希腊、古埃及藏品一样，是大英博物馆收藏的最珍贵的人类文化遗产。

文物是连接过去与当下的纽带，除了古代文物以外，收集当代文物对于博物馆来说同样极为重要。近年来，大英博物馆收藏了许多来自世界各地的现代作品，这其中就包括了由中国苏绣大师梁雪芳创作的虚实乱针绣作品《荷韵》。

《荷韵》取景于太湖边的一片冬荷，梁雪芳说「很多绣娘都喜欢绣夏天的荷花，我冬天在太湖边写生时，注意到残莲别有一种意境。枯萎凋零的荷叶就像是一个个符号，代表着新生，孕育着生命。」

对自然生命的感悟，是梁雪芳刺绣作品中的一个重要主题。比如，在一件名为《禅韵》的长幅刺绣作品中，梁雪芳将当代艺术元素与传统苏绣相结合，以极简主义展现荷花的生命周期，引导人们思考自然和生命规律。梁雪芳称，「刺绣本身是生命的延续，作品是我，我是作品，这就是生命的意义。」

大英博物馆

梁雪芳对于刺绣和生命意义的思考打动了雷克萨斯。自2016年起，雷克萨斯连续四年举办“匠心展”，其中就有以梁雪芳为代表的匠人、艺术家、设计师以及文化学者，共同探寻新时代的匠心精神，以及匠心在不同领域中的独特意义。

而梁雪芳的一席话，更是对于东方匠人匠心的点睛之说「于我而言，40年前做刺绣是家教、妇德的熏陶；30年前做刺绣是生计工作的需要；20年前做刺绣是工艺技术的精进与修炼；10年前做刺绣是观念转变、表情达意的媒介与载体；今天做刺绣是生活，生命，呼吸吐纳，回归自然的修行。」

一直以来，雷克萨斯始终以人为原点，关注人与物之间的情感联结，将传统匠艺与东方美学以不落窠臼的创新演绎，融入到产品设计之中，以雅致入微的匠心细节和待人有情的品牌态度，为用户带来物质与精神层面的非凡享受，让用户在喧嚣繁华的都市中，获得悠然惬意的心安之境。